Bereits 2002 veröffentlichte Nika Machaidse aka. Nikakoi sein Erstlingswerk Sestrichka auf WMF Records, also wäre eine Review eigentlich überholt und höchstens in der Klassiker-Sektion angebracht. Da der georgische Tausendsassa, der neben der Musik auch noch Regisseur und Schriftsteller ist, hierzulande aber den meisten leider immer kein Begriff ist wollen wir alles tun, um diesem wunderbaren Musiker ein bisschen mehr Aufmerksamkeit zu verschaffen.

Nikakois Style, der unter anderem als Electronic Neofolk bezeichnet wird, aber wer kümmert sich schon um solche Kategorien, hört sich an, als ob Air und Amon Tobin in harmonischer Ehe leben würden und überrascht den Hörer immer wieder aufs Neue, denn kein Track ist, wie der andere. Es brutzelt, knarzt, scheppert und blubbert, die Drums fliegen einem nur so um die Ohren oder halten sich mal dezent im Hintergrund, melancholische Elemente georgischer Volksmusik schmiegen sich dezent an die Beats und sehr schön gehauchte Texte von Natalie Beridze geben dem Ganzen auch mal eine chilligere Note.

Mit Sestrichka legt Nikakoi ein Werk vor, das auch in verschiedensten Lebenslagen nicht langweilig wird und ihn zu unumstrittenem Ruhm und Ehre gelangen lassen sollte. Selbiges gilt auch für sein 2003 erschienenes Werk Shentimental, das dem Vorgängerwerk wirklich in nichts nachsteht. Seit 2004 veröffentlichte Nikakoi unter dem Pseudonym Erast die beiden Alben Goodair and Minimissing und Cyberpunk.

Checkt auch die Homepage des Künstlerkollektivs Goslab, um näheres über Nikakoi zu erfahren: http://www.goslab.de/

||||| Thomas Mader |||||

]]> http://mixtapemagazin.wordpress.com/2008/06/30/nikakoi-sestrichka/feed/ http://mixtapemagazin.wordpress.com/2008/06/25/jonny-s-ich-will-schuhe-part-2/ http://mixtapemagazin.wordpress.com/2008/06/25/jonny-s-ich-will-schuhe-part-2/#comments Wed, 25 Jun 2008 13:18:46 +0000 mixtapemagazin http://mixtapemagazin.wordpress.com/?p=739

Wem der erste Teil des Mixtapes Ich will Schuhe von Jonny S. gefallen hat, der kann sich seit Neustem auch den zweiten Teil, der mit insgesamt 4 neuen Tracks + einem Hiddentrack aufwartet, herunterladen und den Braunschweiger supporten.

Das Ganze gibt’s für Umme auf: http://www.jonny-s-music.de und checkt auch http://www.myspace.com/jonnyinnacity für mehr Infos.

||||| Thomas Mader |||||

Sei es im Zusammenhang mit Mangas, Cosplay oder Tokyo Hotel, immer öfter geistert der Begriff „Visual Kei“ ohne näher erklärt zu werden durch die deutsche Medienlandschaft. Doch Mixtape setzt der Verwirrung ein Ende und startet einen umfassenden Erklärungsversuch:

Eine Definition des Visual Kei ist an sich problematisch, da es sich bei der Bewegung um ein sehr komplexes und vor allen Dingen heterogenes Gebilde handelt, so dass es bei einem Definitionsversuch bleiben muss. Der Begriff Visual Kei selbst setzt sich zusammen aus dem englischen Wort „visual“ (visuell, optisch, bildlich, sichtbar) und dem Kanji Zeichen „Kei“, was in etwa so viel wie Clique, Herkunft, Stil, oder Gruppierung bedeutet, wobei eine genaue Übersetzung ins Deutsche nicht möglich ist.

Unter dem Begriff Visual Kei versteht man demzufolge in erster Linie optisch auffällige Musiker aus einer Vielzahl verschiedener Musikrichtungen und deren nachahmende Fans. Westliche Fans, die dem Stil der Visual Kei Musiker nacheifern, nennen sich Visuals oder auch Visus. Ein musikalischer Hintergrund ist für diese Begriffsbezeichnung nicht zwingend. Die den musikalischen Hintergrund ausblende Mode wir in Japan „Dekora“ genannt, was in etwa mit „dekorativ“ übersetzt werden kann.

Als Abkürzung für Visual Kei wird gängigerweise VK verwendet.

In Deutschland gibt es eine besondere Diskussion zum Thema Visual Kei, die sich damit beschäftigt, ob man den Begriff allein für japanische Bands reservieren sollte und nicht-japanische Visual Kei Bands lieber als „Visual Rock“ bezeichnen sollte.

Musik
Wie schon erwähnt gibt es in der Visual Kei Szene keine vorherrschende Musikrichtung und somit müssen sich die Musiker keinerlei Dogmen oder Grenzen unterwerfen. Sie genießen dadurch eine künstlerische Freiheit und Ungebundenheit, die in anderen musikalischen Genres und Bewegungen nicht selbstverständlich ist.

Bedingt durch diese enorme Freiheit zeichnet sich Visual Kei als extrem wandlungsfähiges Genre aus, in dem die Bands tatsächlich ihren Stil so oft wechseln, wie ihre Kleidung, oder zumindest die Möglichkeit dazu besitzen. Oft entstehen dadurch auch neue Stile, auf die wir später noch zu sprechen kommen werden.

Unter den verschiedenen Musikstilen, an denen sich Visual Kei Musiker bedienen findet man vornehmlich Rock, Punk, Pop, Wave, Alternative, Metal und Gothic, wobei auch öfter musikalische und stilistische Elemente anderer Subgenres, wie z.B. Glamrock, Batcave, Cyberpunk oder New Romantic, die vor allem eine wichtige Rolle in der Entwicklung des Visual Kei gespielt haben, zu finden sind.

Eine weitere Besonderheit des Visual Kei ist die Tatsache, dass einzig dem Leadsänger der jeweiligen Band das Privileg zukommt die Liedtexte zu verfassen. Allein diese Tatsache ist ein Garant für Individualität und Authentizität der verschiedenen Bands und steht in starkem Kontrast zu westlicher Populärmusik, die vor allem in der Produktion der Songtexte mittlerweile sehr stark von Ghostwritern geprägt ist.

Zudem gibt es beim Schreiben der Texte noch andere sehr strenge Vorgaben, an die sich der Sänger zu halten hat, was in überraschendem Kontrast zu der übrigen künstlerischen Ungebundenheit des Visual Kei steht. So dürfen sich z.B. die Liedtexte im Visual Kei nicht Reimen. Dies ist ein Gestaltungselement, das so aus der traditionellen japanischen Lyrik übernommen wurde. Im Haiku, einer traditionellen japanischen Lyrikform, kamen keine Reime vor, dafür wurde mehr Wert auf Alliterationen, Assonanzen, den Sprechrhythmus und die Silbenzahl gelegt. Die elaborierte Silbenzahl und der daraus erfolgende Sprechrhythmus boten dann einen ähnlich hohen Erinnerungswert, wie die in unserer Lyrik typischen Reime.
Mann kann also davon sprechen, dass es im japanischen Lyrikverständnis keinen „Reimsinn“ als solchen gibt bzw. gab, jedenfalls nicht vergleichbar mit der Art, wie er in der westlichen Lyrik auftritt und vorherrscht.
Eine weitere zu beachtende Vorgabe ist die, dass außer dem Japanischen keine andere Fremdsprache in den Songtexten auftauchen soll, was wiederum für sehr hohe Authentizität des musikalischen Outputs sorgt.
Inwieweit diese stilistische Vorgabe aber als verbindlich angesehen wird ist fraglich wenn man scheinbar willkürlich aus Fremdwörtern zusammengesetzte Bandnamen wie Malice Mizer, Luna Sea oder Dir En Grey betrachtet. Auch in den eigentlichen Texten findet man häufig Fremdwörter, aber komplett auf Englisch oder anderen Sprachen verfasste Texte wird man dennoch äußerst selten finden.

Rein inhaltlich gibt es für die Texte keine textuellen oder traditionellen Schwerpunkte, sie sind aber oft von einer hohen Emotionalität geprägt. Einzig politische und spirituelle Thematiken werden von den Visual Kei Bands nicht verwendet, was im Widerspruch zu oft geäußerten Vorurteilen der Visual Kei Szene gegenüber steht, deren Mitglieder oft als Satanisten bezeichnet werden. Wegen des bereits genannten breiten Spektrums musikalischer Stile und der hohen künstlerischen Freiheit, die dieses Genre bietet, stellt sich die Frage, ob man Visual Kei nun als Subgenre des J-Rock einordnen soll oder kann, wie es vor allem Musikexperten außerhalb der Szene oft tun, oder lieber als eine Art „Bastard-Genre“ für sich selbst stehen lassen sollte.

Ästhetik
Da ja, wie erklärt, nicht wie in vielen anderen Szenen die Musik der Bewegung ihren Rahmen liefert und wir Visual Kei bereits mit „optisch auffällige Musiker aus einer Vielzahl verschiedener Musikrichtungen“ zu definieren versucht haben, liegt es nahe dieses ästhetische Element genauer zu betrachten.

Interessant bei der Ästhetik der Visual Kei Szene ist, dass, obwohl sie DAS kennzeichnendsten Elemente der Bewegung darstellt, sie genau wie auch die Musikalität der Bewegung in sich nicht homogen ist, sondern sich vor allem mit der zweiten Generation von Visual Kei Bands in eine Vielzahl verschiedener Spielarten aufgefächert hat.

Die Szene ist geprägt von einem ausgesprochen hohen Selbstdarstellungsbedürfnis und daraus resultiert auch die Tatsache, dass Individualität im Visual Kei als ein absolutes Muss gilt und der modischen Auslebung dieser Individualitätsbedürfnisse keine Grenzen gesetzt werden. Besonders auffällig bei den fast ausschließlich männlich besetzten Visual Kei Bands ist, dass die Bandmitglieder für das ungeübte Auge vor allem westlicher Fans kaum als Männer zu identifizieren sind. Von vielen Visual Kei Musikern wird ein extrem androgyner Stil gepflegt, der hauptsächlich auf typisch japanische Schönheitsideale begründet ist und der von den Mitgliedern der Visual Kei Szene adaptiert und überspitzt worden ist.

Dieses klassische Schönheitsideal hat seine Wurzel im traditionellen japanischen Noh- und vor allem im Kabuki-Theater, in dem traditionellerweise nur Männer die Bühne betreten durften und daher alle Rollen, egal ob Mann oder Frau, gleichermaßen spielen mussten. Die Visual Kei Musiker bedienten sich also dieses traditionellen Schönheitsideals, überspitzen es noch und geben ihm einen dem Zeitgeist entsprechenden Anstrich. Wegen diesem extrem femininen Style sehen sich die Visual Kei Musiker und Fans oft mit Vorurteilen und Homosexualitätsvorwürfen konfrontiert. Allerdings waren die Visual Kei Musiker nicht die ersten Musiker, die sich von der Ästhetik des Kabuki-Theaters inspirieren und beeinflussen hatten lassen.

So bediente sich zum Beispiel David Bowie schon auf seinem 1972 erschienen Album The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars einer vom Kabuki- und Noh-Theater geprägten Ästhetik und präsentierte mit der von ihm geschaffenen Kunstfigur Ziggy Stardust ein sehr androgynes Erscheinungsbild. Diese Entwicklung setzte er auch auf seinem 1973 erschienenen Album Aladdin Sane fort. Aber nicht nur Bowie, sondern auch etliche anderen Musiker, wie im Punkt über die geschichtliche Entwicklung des Visual Kei genauer besprochen wird, bedienten sich dieser Ästhetik und sorgten somit für eine Stilrückkopplung zwischen den japanischen Musikern und ihren amerikanischen und europäischen Vorbildern und Einflüssen.

So wie die amerikanischen und europäischen Musiker sich zuvor an den Elementen des Nho und Kabuki bedient hatten bedienten sich Anfang und Mitte der 80er die ersten japanischen Visual Kei Bands am Stile dieser Musiker und erweiterten ihn durch weitere traditionelle, so wie auch neue Elemente. Vor allem die zweite Generation der Visual Kei Bewegung, die sich vor allem ab Ende der 80er bis Anfang der 90er etablierte, entwickelte den Visual Kei Stil weiter und sorgte für die Entwicklung zahlreicher Unterarten des Genres.

Zum Standardrepertoire vieler Visual Kei Bands gehören demzufolge heutzutage maßgeschneiderte Kostüme, äußerst aufwendiges Make-up und Haarstyling, farbige Kontaktlinsen, falsche Gebisse und extra für die Bands hergestellte und an das Banderscheinungsbild angepasste Instrumente. Wie bereits erwähnt stehen hier die Individualität, Provokation und der Ausbruch aus der monotonen Masse im Mittelpunkt des Interesses der Künstler, wie auch ihrer Fans. Zudem wechseln die Visual Kei Musiker auch relativ oft ihr Erscheinungsbild und ihre musikalischen Stile.

Mittlerweile hat der Visual Kei Stil in der japanischen Gesellschaft einen solchen Stellenwert erlangt, dass sich eine Vielzahl von Modelabels auf die ausgefallenen Outfits und Kostüme spezialisiert haben und auch ganze Stadtviertel, wie die Takeshita Street oder die Harajuku Brücke in Tokio stehen mittlerweile unter Einfluss des Visual Kei. Ein bekanntes aus der Szene stammendes Label ist beispielsweise Moi-Même-Moitié gegründet vom Moi Dix Mois Sänger und ehemaligem Malice Mizer Frontmann Maná und sogar die Weltmarke Hello Kitty hat, als sie eine Hello Kitty Serie für jeden Stadtteil Tokyos produzierte, eine im Gothic-Stil geschminkte Katze für den für Visual Kei sehr wichtigen Stadtteil Harajuku gewählt.

Geschichtliche Entwicklung
Die Entwicklung des Visual Kei hatte ihre Anfänge Anfang der 80er Jahre. Damals übernahmen erste japanische Rockbands den von vielen amerikanischen und europäischen Musiker gepflegten extravaganten und extrovertierten Style und wollten somit ein Zeichen der Rebellion gegen die extrem konservative, von eingeschränktem Individualismus und streng geregeltem Arbeitsleben geprägte japanische Gesellschaft setzten und aus ihr ausbrechen.

Grundsätzlich kann man von einer Wechselwirkung zwischen Japan und der westlichen Welt sprechen, die in mehreren Phasen verlief:

1.Phase
Anfangs waren verschiedene amerikanische Bands, wie der bereits genannte David Bowie, oder auch Kiss, Mötley Crüe oder Twisted Sister, von der Ästhetik des Kabuki- und Noh-Theaters beeindruckt und bauten Kabuki- und Noh-Elemente in ihren persönlichen Stil ein.
Bowie war hauptsächlich von der Androgynität der Schauspieler und der damit verbundenen unzuordbaren Sexualität beeindruckt, während Kiss eher die Martialität und das dämonenähnliche Auftreten vieler Charaktere des Theaters für sich entdeckten und ihren in Stil aufnahmen.
Auch die Takarazuka Revue, eine berühmte japanische Schauspielgruppe, die Anfang des 20. Jahrhunderts gegründet worden war und in der, ganz im Gegensatz zum Kabuki-Theater, sämtliche Rollen von Frauen besetzt waren, hatte in ihrer Ästhetik eine großen Einfluss auf David Bowie und das von ihm gewählte androgyne Erscheinungsbild. Die Kabuki-Ästhetik hat auch heutzutage nicht an Attraktivität verloren. So trägt zum Beispiel Joey Jordison, Schlagzeuger der US-Band Slipnot, bei seinen Auftritten stets eine weiße Kabuki Maske.

2. Phase
In der zweiten Phase der Entwicklung, in etwa Anfang bis Mitte der 80er, übernahmen dann viele japanische Rockmusiker den bereits von japanischen Elementen geprägten Stil ihrer musikalischen Vorbilder, sowie auch eine Vielzahl neuer Stilelemente aus zahlreichen musikalischen und anderen künstlerischen Genres.
Hierzu gehörten die folgenden musikalischen Genres und Subgenres:

Glamrock-> Glam Rock war eine hauptsächlich in England populäre Richtung der Rockmusik, die Anfang der 70er Jahre ihre Blüte hatte. Stilistisch bezeichnend für die Glam-Rocker waren ihre schrillen und oft sehr femininen Bühnenoutfits und ihr Make-up, in dem sich klar die Elemente des Noh- und Kabuki-Theaters wieder finden ließen. Zu den wichtigsten Vertretern des Glam Rock zählen neben Bowie noch T-Rex, Queen, Suzie Quatro, Slade, Garry Glitter, Roxy Music und viele andere.

New Romantic -> New Romantic war eine aus dem Punk entstandene Bewegung der frühen 80er, die ihre Anhänger hauptsächlich in England hatte und mit bekannten Bands, wie Visage, A Flock Of Seagulls, Duran Duran, The Human League oder Spandau Ballet viele international bekannte Musikgruppen und Hits hervorbrachte. Für die Anhänger der New Romantic-Bewegung war das Auftreten und die Ästhetik, genau wie vorher für die Anhänger des Glam Rock und heutzutage für die des Visual Kei, eines der wichtigsten Stilelemente ihrer Szene.

Mit diesem erhöhtem Augenmerk auf Style und „Posing“, dem bewussten zur Schau stellen seines ausgefallenen Make-ups und Kleidungsstils, distanzierten sich sich bewusst von der politischen Attitüde des Punk und blieben somit, genau wie heutige Visual Kei Künstler, apolitisch. Auch die Musik war nicht mehr von rauen Gitarren, sondern von sehr stark ausproduzierten Synthesizer-Klängen geprägt und äußerst chart-orientiert.

Die Anhänger des New Romantic wollten sich nicht mehr gegen die gesellschaftliche Ordnung auflehnen, sondern Glamour, Hedonismus und ihre Eitelkeit feiern und zur Schau stellen. Wichtige Einflüsse, sowohl stilistisch, wie auch musikalisch, für die New Romantic Bewegung waren die bereits genannten Künstler David Bowie und Roxy Music.

Batcave -> Das Batcave war ein englischer Club, der im Jahre 1982 seine Türen öffnete und als Geburtsort der britischen Gothic-Szene bekannt ist, obwohl er eher als Glam Rock Club mit düstererem Einschlag konzipiert worden war. Das beste Beispiel für den vom Club konzipierten Stil ist die Glam-Goth Band Specimen, im Endeffekt setzte sich aber der Stil von Bands, wie Siouxie Sioux, Alien Sex Fiend, The Cramps oder Bauhaus durch und prägte die englische und damit weltweite Gothic-Szene.

Hauptsächlich war der Club für von der kommerziellen Ausrichtung des New Romantic enttäuschte Szenegänger gedacht, sollte etwas Neuartiges bieten und eine dunklere Neuauflage des „David Bowie Style“ Glam Rock darstellen. Letztendlich entwickelte sich dann daraus die Gothic Bewegung, die schon damals sehr großen Wert auf das Erscheinungsbild legte und auch die gefühlvollen Texte lassen sich heute im Visual Kei wieder finden.

Cyberpunk -> Cyberpunk ist eine hauptsächlich literarische Bewegung und ein Science Fiction Sub-Genre, das schon in den 60er Jahren seine Anfänge hatte. Phillip K. Dick veröffentlichte 1968 mit seinem Werk Do Androids Dream of Electric Sheep? die Romanvorlage für den 1982 realisierten Film Bladerunner und schuf damit die Grundlagen und die ersten Thematiken für die späteren Cyberpunk Autoren. Der Begriff selbst stammt vom Autor Bruce Bethke der ihn als Titel für eine 1983 veröffentlichte Kurzgeschichte wählte.

Ein weiterer wichtiger Einfluss ist der Schriftsteller William Ford Gibson, der unter anderem den Begriff „Cyberspace“ prägte und mit seinem 1984 veröffentlichten Werk Neuromancer, man beachte die namentliche Ähnlichkeit mit den bereits genannten New Romantics, das wohl berühmteste literarische Cyberpunk Werk schuf. Im Cyberpunk-Genre werden vor allem eine nahe und drohende dystopische Zukunftsvision und die damit verbundenen Thematiken Cyberspace, virtuelle Realität, Nanotechnologie, künstliche Intelligenz, übermächtige Mega-Unternehmen, Mega-Metropolen und Gentechnik präsentiert und verarbeitet. Als wichtige Werke gelten neben zahllosen literarischen Veröffentlichungen unter anderem die filmischen Werke A Clockwork Orange (1971), Mad Max (1980), Blade Runner (1982), Robocop (1987), Total Recall (1990), Matrix Trilogie (1999-2003) und unzählige weitere Umsetzungen. Besonderen Einfluss auf die Ästhetik des Visual Kei hatten vor allem die vom Cyper Punk beeinflussten Anime-Filme, wie zum Beispiel Appleseed (1985), Bubblegum Crisis (1987) Akira (1988 ) und Ghost In The Shell (1995).

Neben der Literatur ist Cyber Punk auch noch ein musikalisches Genre, dessen Definition, genau wie die des Visual Kei, äußerst schwer fällt, da es in sich eine Vielzahl musikalischer Stile vereint. Dies geht sogar soweit, dass Cyberpunk als Musikgenre von vielen als nicht existent bezeichnet wird. Grundsätzlich kann man wohl alle Bands, die entweder in ihrer Ästhetik oder in ihren Texten Cyberpunk Elemente beinhalten oder verarbeiten als dem Cyberpunk zugehörig bezeichnen, auch wenn die Band nur ein Album, oder vielleicht sogar nur ein Lied mit der entsprechenden Thematik veröffentlicht hat.

Das vielleicht einzige vereinende Element der Cyberpunk Musik Szene sind Punkelemente und die Bezugnahme auf Modernes und Futuristisches. Verschiedenste Bands, wie z.B. Kraftwerk, Aphex Twin, Aural Vampire, Dieselboy, Elle Allien, Front Line Assembly, Ministry, Nine Inch Nails, The Prodigy, Rammstein, White Zombie und Sonic Youth zählen zum Cyberpunk Genre, oder lassen in einigen ihrer Texte oder ihrer Ästhetik Cyberpunk Elemente erkennen und decken somit eine unglaublich große Bandbreite von Techno, über Industrial und Drum&Bass bis hin zu Heavy Metal und Rock ab. Auch der bereits genannte David Bowie veröffentlichte mit seinem 1995 veröffentlichten Konzeptalbum Outside ein vom Cyberpunk beeinflusstes Album und Billy Idol veröffentlichte im Jahre 1993 ein Album mit Titel Cyberpunk. Viele der genannten Bands gelten als große Einflüsse für die Entwicklung der japanischen Rock- und somit auch Visual Kei-Szene.

3. Phase
Nachdem nun also die japanischen Musiker die diversen Stilelemente ihrer nicht-japanischen Einflüsse und Vorbilder übernommen, adaptiert und erweitert hatten fühlten sich nun auch andere westliche Musiker und Künstler von diesem neu kreierten Stile wiederum angesprochen und ließen sich von ihm beeinflussen. So sind zum Beispiel im Artwork des 1998 erschienenen Albums Mechanical Animals des amerikanischen Rock Musikers Marilyn Manson starke Einflüsse des Visual Kei zu erkennen. Manson war damals mit dem Visual Kei Pionier und Gitarrist der Band X-Japan Hide Matsumoto eng befreundet und lies sich auch von dessen Style inspirieren.

Doch nicht nur die Musiker waren erneut von der japanischen Ästhetik fasziniert, sondern ganze Gesellschaftsschichten konnten sich der Anziehungskraft japanischer Kulturprodukte nicht länger entziehen. So sorgte zum Beispiel das 1996 erfundene Tamagochi, nachdem es in Japan bereits einen enormen Verkaufserfolg aufweisen konnte, auch in Europa und in Amerika für verstärkte Nachfrage und teilweise sogar Lieferschwierigkeiten.

Zudem wurden nun auch japanische oder in Japan produzierte Zeichentrickserien, sogenannte Animes, wie zum Beispiel Mila Superstar, Dragon Ball, Pokemon und vor allem Sailor Moon, als solche wahrgenommen, wohingegen schon in den 70er Jahren ausgestrahlte japanische Zeichentrickserien, wie Captain Future, Heidi, Saber Rider, Tao Tao, Biene Maja oder Sindbad als einfache Animationsserien, aber nicht als typisch japanisch empfunden worden waren.

Vor allem die 1995 erstausgestrahlte Serie Sailormoon änderte dieses Empfinden aber grundlegend, löste einen wahren Anime Boom aus und ebnete den Weg für weitere Anime-Produktionen. So wuchs durch die Beliebtheit der Animes auch das allgemeine Interesse an Japan und an japanischen Kulturprodukten, wie den Mangas. So wurden zum Beispiel von der Dragonball Manga Serie, die ab 1997 im Carlsen Verlag in Deutschland erschien, bis zum heutigen Tage mehr als 6,5 Millionen Exemplare abgesetzt.

Vor allem die in den Anime-Serien verwendeten Lieder japanischer Bands sorgten bei vielen Fans für Interesse und spielten somit eine entscheidende Rolle für die Bekanntmachung und Verbreitung von Visual Kei in Deutschland und Europa. Die weitere Verbreitung von Visual Kei außerhalb Japans, und auch in Deutschland, erfolgte dann größtenteils über das Internet. Es wird vermutet, dass VK die erste Jugendszene ist, die sich komplett virtuell und nicht, wie bisher üblich, in der Subkultur einer Großstadt verbreitet hat. Ein wichtiger Moment für die Entwicklung der deutschen Szene war ein Konzert der Band Dir en Grey im May 2005. Dieses Konzert wurde nur im Internet beworben und dennoch waren die 3.500 Eintrittskarten innerhalb von 72 Stunden ausverkauft. Nach diesem Erfolg trat die Band sogar bei den großen deutschen Festivals Rock am Ring und Rock im Park auf.

4. Phase
Die zukünftige Entwicklung des Visual Kei ist schwer vorauszusehen, eine mögliche Entwicklung wäre aber die erneute Rückbeeinflussung Japans durch die westliche Visual Kei Szene. Da sich zum Beispiel die deutsche Gesellschaft von der japanischen unterscheidet und weniger mit Tabus belegt ist können die Visus in Deutschland ihre ästhetischen Vorstellungen ungehemmter ausleben und mehr in ihr Alltagsauftreten integrieren. Die japanischen Fans müssen im Vergleich dazu ganz andere Anstrengungen auf sich nehmen.
So färben sich zum Beispiel viele Fans vor den Konzerten die Haare, um ihren Vorbildern nachzueifern, müssen diese aber spätestens zu Beginn der Arbeitswoche wieder umgefärbt haben, um bei der Arbeit oder in der Schule wieder ungestraft erscheinen zu können, oder müssen die Outfits, die sie auf den Konzerten tragen vor ihren Eltern geheim halten.

Da die westlichen Fans kaum mit solchen Problemen zu kämpfen haben können sie den Visual Kei Stil fast immer tragen und deshalb wird die westliche Szene von einigen japanischen Künstlern bereits als radikaler als die japanische Szenen bezeichnet. Dieses radikalere und im gewissen Sinne auch liberalere Stilbewusstsein könnte unter Umständen nach Japan zurückschwappen.

X-Japan: Pioniere des Visual Kei
Nachdem wir diese etappenhafte Wechselwirkung zwischen Japan und der westlichen Welt genauer betrachtet haben kommen wir nun genauer auf die eigentlichen Pioniere des Visual Kei zu sprechen.
Die Vorläufer und Trendsetter des Visual Kei sind äußerst umstritten und nur schwer auszumachen. Allgemein als Proto-Visual Kei akzeptiert gilt aber die Band X-Japan, obwohl sie zu späteren Zeitpunkten ihrer Karriere ihre Ästhetik ent-radikalisierte und sich somit vom Visual Kei distanzierte.

1982 wurde die Band, damals noch unter dem Namen X, als von David Bowie und Kiss geprägte Power- und Speedmetal-Band gegründet und konnte bis zu ihrer Auflösung im Jahre 1997 große Erfolge verbuchen. So produzierten sie mehrere Hits, die die Spitze der japanischen Charts erreichten, konnten den Tokyo Dome, der 55.000 Besucher fast, an drei aufeinander folgenden Abenden ausverkaufen und verkauften der Legende zufolge eine Millionen Exemplare eines ihrer Alben an einem Tag. X-Japan prägten den Begriff Visual Kei in dem sie das Cover ihres 1989 erschienenen Albums Blue Blood mit dem Slogan Psychedelic Violence Of Visual Crime versahen. Ihre erste Videoauskopplung aus dem Album, erschienen im selben Jahr, trägt den Titel Visual Shock.

Ohne zu übertreiben kann man getrost behaupten, dass X-Japan alle nachfolgenden Visual Kei-Bands, sowohl durch ihre Musik, wie auch durch ihr extravagantes Auftreten und Styling, wie keine andere Band geprägt hat und immer noch als einflussreichste Visual Kei-Band genannt wird. Ob nun X-Japan wirklich die erste Visual Kei-Band war bleibt umstritten, fest steht aber, dass X-Japan die erste kommerziell erfolgreiche Band aus der gerade im Entstehen begriffenen Visual Kei-Szene war, das Interesse an Visual Kei, sowie dessen wirtschaftliche Bedeutsamkeit enorm steigerte, die Angaben über die insgesamt verkauften X-Japan Alben variieren von 5 bis 20 Millionen Exemplaren, und ab den späten 80er von vielen Nachahmern kopiert wurde.

Mit der Auflösung der Band 1997 wurde ein neues Kapitel in der Visual Kei-Szene aufgeschlagen und viele der Visual Kei-Bands der zweiten Generation, wie Malice Mizer, Dir En Grey oder Pierrot, um nur einige zu nennen, konnten sich zuerst national und dann teilweise auch international etablieren. 2007 kam es zu einer Wiedervereinigung von X-Japan.

Visual Kei Subgenres
Mit dem Aufkommen zahlreicher neue Bands Ende der 80er und Anfang der 90er festigte die Szene sich zunehmen, die Vielfalt in Ästhetik und Musik blieb aber weiterhin bestehen und es bildeten sich zahlreiche Subgenres, die im Folgenden näher beschrieben werden:
- KURAFU KEI: Aussehen eher dunkel und “hart”, vereinzelt sexuell aufreizend - genauso die Musik. Dazu gehören z.b. Dir en Grey, Aushvitz, Merry go round oder The Piass.
- ANGURA KEI: Musik + Aussehen verbinden traditionelle Elemente mit der Moderne, ist vereinzelt auch düster angehaucht. Dazu gehören z.B. Kagrra, Inugami Circus Dan oder Onmyouza.
- ERUGURO KEI: Hat oft Ähnlichkeiten mit dem Angura Kei, beschränkt sich jedoch mehr auf den mix der Erotik und der Groteske, wobei die dazu gehören z.B. Merii, Cali=Gari oder Mucc.
- KAWAII KEI: Nimmt - wie der Name sagt - als Anhaltspunkt das niedliche. dazu gehören z.b. Porori, Gurimu, Ancafe oder Pleur.
- AGURII KEI: Diese Sparte orientiert sich hauptsächlich am Aussehen der Bands. Dazu gehören z.b. Beata, Eliphas Levi oder Mamono.
- WIIRDO KEI: Die wohl abstrakte Sparte des Visual Kei. Dazu gehören z.b. Psycho le Cemu, Dokusatsu Terrorist, Guruguru Eigakan oder Beau.
- NORUMO KEI: eine der „massentauglichsten“ Unterarten. Dazu gehört z.B. Gackt, Glay, Penicillin oder L’arc en ciel.

||||| Thomas Mader |||||

Nie und nimmer hätte ich gedacht, jemals eine Metal-Band wohlwollend besprechen, ja sogar wirklich gut finden zu können. Tool, weiter hatte ich mich bisher nicht auf die hohe See des Metals (und Tool sind ja nicht einmal Metal!) getraut, oder – um im Genreslang zu bleiben – ich hatte mich nicht ins Kampfgetümmel schmeißen wollen. Schließlich bin ich Pazifist, so gut es eben geht.

Metal bedeutete für mich immer plumpe Lyrics unterlegt mit banalen, weil viel zu angestrengten und plakativen Gitarrenriffs und übermotiviertem Getrommel. Die zweite Stufe der Lächerlichkeit trat ein, als so böse wie nur irgend möglich gegrowlt wurde, übertroffen nur durch widerlich hellen Frauengesang. Wir sind ja schließlich im Metal, da macht man das so. Die Stufe Drei auf der im Metal anscheinend nach oben offenen Skala der Beschämungen bot sich mir in Form der Texte, wahrlich leicht anzugreifen. Es mag vielleicht verwundern, aber Songs über Ritter, Prinzessinen und Schlachten der Warriors of the World konnten mich einfach nicht begeistern.

Eines Tages wurde mir Opeth nahe gelegt und so fand sich kurz darauf auf einem für mich zusammengestellten Metal-Tape The Leper Affinity vom Album Blackwater Park als Opener. Zunächst war ich davon ausgegangen, dass sich gleich drei großartige Songs hintereinander auf das Tape geschlichen hatten. Nach genauerem Hören musste ich allerdings feststellen, dass es sich nur um ein einziges Lied handelte, was dadurch nur noch großartiger wurde. Plötzlich war mein Interesse an Opeth geweckt und so erklärt sich auch, wie Watershed – man beachte: sogar in der Special Edition! – in meinen CD-Player fand. Dies alles nur als Erläuterung, es soll schließlich nicht der Eindruck auftreten, hier wisse jemand, worüber er schreibt, weil: Genrenerd. Mitnichten.

Watershed also, das Album, für dessen Kauf mich Freunde und Bekannte bereits mit abschätzigen Blicken betrachteten. Wenn sie nur wüssten! Wenn sie sich nur einmal darauf einlassen würden und die teilweise etwas abgeschmackten Lyrics à la „running through the fields of sorrow“ oder „will the children cry when their mothers die?“ mit einem Augenzwinkern einfach mal so hinnehmen würden. Es ist ein steiniger Weg, ich weiß es selbst. Aber es ist auch ein Lohnender, denn Watershed ist gar wunderbar geworden.

Opeth scheinen mittlerweile alles so zu machen, wie ihr künstlerischer Horizont es zulässt. Was Opeth vor allem von den meisten Bands aus dem großen Genre des Metal abhebt, ist, dass sie nie etwas umzusetzen scheinen, so wie es sein sollte – weil, es ist ja immer noch Metal, und was mag die bekuttete Fanbase wohl dazu sagen –, sondern so wie es sich richtig anfühlt. Da reiht sich selbst das sonst aufdrängende Gegrowle instrumentenähnlich in den Gesamtkontext eines Songs ein, der gerne auch mal rund zwölf Minuten lang sein darf. So findet sich letztlich zwischen Death-Metal-Geknüppel, sphärischen Prog-Anleihen, Alice in Chains-artigen Akustikparts und Jazz immer etwas, das einen an den Song bindet, wie ein Sog, hypnotisch. Oder ist es gerade genau diese Mischung? Die Songs sind mit den Jahren immer komplexer und breaklastiger geworden, aber eben auch sphärischer und in gewisser Weise anschmiegsamer. Watershed wird dieses Jahr wahrscheinlich das einzige Album aus dem Metal bleiben, dass ich jedem, der sich auch für härtere Musik interessiert, aber Metal im Grunde verständlicherweise albern findet, ans Herz legen kann.

Um nicht einen falschen Eindruck zu erzeugen: Ich betrachte Metal größtenteils immer noch als Belästigung des guten Musikgeschmacks, gespielt von Menschen, die sonst keine Freunde haben. Nur Opeth, die können was!

||||| Kai Wehmeier |||||

Opeth@MySpace

Offizielle Homepage

Video zu “Porcelain Heart”:

So ist er, der gute, alte Will Oldham. Ohne großes Vorgeplänkel wird aus dem Nichts ein neues Album veröffentlicht. Keine PR, keine Marketingmaschine, nein, nicht einmal die kleinste Ankündigung braucht der Mann mit Gold auf der Zunge und der Dunkelheit im Herzen. Höchstes Understatement nennt man so etwas wohl.

“Twelve Songs” ist alles, was man als Käufer über Lie Down in the Light erfährt, bevor die lästige Plastikfolie vollständig zerrissen den Weg in den Papierkorb gefunden hat. Die Lösung in Form von Songtiteln liegt auf dem Tonträger. Ums vermissen scheint es ihm diesmal zu gehen: You Remind Me of Something, Missing One und What’s Missing is heißen drei der Stücke, die in keinem Wort die Überraschung preisgeben, die sich in den 45 Minuten zwischen Saloongeklimper, Schifferklavier und tänzelnder Akustikgitarre breit macht. Bonnie “Prince” Billy hat sich aus seinem kleinen lichtdichten Holzkistchen heraus getraut und hat festgestellt, dass die Welt da draussen doch nicht grundlegend böse und gemein ist. Einige Titel dürfen im Universum des Will Oldham ruhig euphorisch im positiven Sinne genannt werden. Die Liebe - natürlich, was sonst? - ist es, die Oldham ergriffen hat. Sie trägt den Namen Ashley Webber und begleitet den Barden bei einigen Stücken. Im ergreifendsten Duett So Everyone kulminiert die Kollaboration in einem Stoßgebet: “Now I want the world to see / Everybody look at me / I’m a good person and free / And she loves me”. Weitere Erklärungen sind hinfällig.

Apropos vermissen. Ein bisschen vermissen darf man den good old Oldham schon. Wo früher geweint wurde wird heute geschunkelt. Und nicht erst seit Florian Silbereisen wissen wir, dass auch das nur eine weitere Form der Verdrängung ist. Warum kann dieser Mann eigentlich keine schlechten Alben schreiben?

||||| Kai Wehmeier |||||

Bonnie “Prince” Billy @ MySpace

Louder, Louder! Slower, Slower! - Schottischer Schneetrupp im Sommer. Oder genauer gesagt im britischen Glastonbury. Also mitten im Grünen. Was dem Skispringer die Mattenschanze, ist unseren Musikern die große Wiese voller Geld, Gold und sorgenfreiem Leben. „Light up, light up/As if you have a choice/Even if you cannot hear my voice/I’ll be right beside you dear“. Kurz vor der Festivalsaison wurde unlängst Snow Patrols Album Final Straw wiederveröffentlicht. Vielleicht aus gutem Grund.

Sicherlich fanden sich auf Final Straw Songs, deren eingebaute Ewigkeit durchaus das eine oder andere Jahr überdauern würde. Doch wagte sich mit Run ein alles überstrahlendes Kleinod ins leuchtende Ganze. Eines, welches spätestens auf besagtem Festival in Glastonbury 2007 im gleißenden Sonnenschein den fälligen Beweis seiner Energie antreten wollte. So intensiv und berührend, dass Sänger Gary Lightbody (!), man muss diesen Kalauer jetzt einfach bis an den Bühnenrand führen, zur lebendigen Lichtgestalt mutierte. Und am Ende vor lauter Entrückung mit seinen beiden Armen kaum mehr ein noch aus wusste. Was in den vorangegangenen Minuten geschehen war? Lightbody, dieser Schlaks vor dem Herrn, steht geschlossenen Auges („And I can barely look at you/But every single time I do/I know we’ll make it anywhere/Away from here“) im rapsgelben Shirt inmitten seiner schottischen Jungs. Schon lange bevor Minute 4:43 anbricht und das unfassbare Solo seinen Lauf gen Himmelszenit nimmt, ist bereits klar, dass hier gerade Besonderes geschieht. Ihm gegenüber bezeugen das wohl mehrere Zehntausend Blumenkinder der Neuzeit. Luftschlagzeuger unterm Sonnenkäppi, Mädchen auf verschwitzten Schultern, Fahnen und manch kryptische Botschaft. Dazu alle Hände gen Himmel und ein Outro aus sämtlichen Kehlen. Vor lauter Ehrfurcht und Energie müssten genau jetzt und auf der Stelle die golden schimmernden Bühnenscheinwerfer erlöschen. Doch soweit kommt es dann doch nicht. Dass Lightbody indes hier gerade Geschichte geschrieben hat benötigt keinen weiteren Beweis. Denn so sicher, wie alle Kameras sich in relaxter Würde um die Band herum bewegen, so bestimmt muss in jenen sechseinhalb Minuten über Glastonbury im Sommer 2007 die Zeit stehen geblieben sein.

||||| Michael Kellenbenz |||||

Löschen und spul zurück: 1988 the Year Schwachsinn broke. Bronski Beat tanzten den Smalltown Boy auf einer Länge von 9:00 Minuten. Der geschüttelte Lonely Boy auf mindestens drei Vorstadtbahnstationen gestreckt. Krude Breaks im mitunter instrumentalen Nichts auf dem Format einer kompletten LP. Wem half eigentlich die, schon in den Siebzigern erfundene, maximal breite Rille?

Wohl am ehesten dem Verkauf. Jäger, Sammler, Nerds. Was waren die drei kompakten Minuten Radioformat gegen die hochdynamisch wertvolle „Diskoversion“. Ähnelte so ein wenig diesen Filmen mit dreidimensionalen Effekten. Die Maxi als akustische 3-D-Brille also? Hört man mal Visages Fade To Grey (1983) als Beispiel. Diese eher blutarme, langweilige, sich wiederholende Abfolge ein und derselben Parole. Aufgepumpt auf 6:38 und mit allerlei Kawumm versehen schon eine ganz andere Hausnummer. Schummler waren diejenigen, welche sich versuchten mit Verlängerungen um die 10 (!) Sekunden im Vergleich zur Original-Single Land zu gewinnen. Eine ausgewachsene Maxi/12“ hatte in der Regel bitte erst ab frühestens Minute 6:00 ihre Daseinsberechtigung. Abgesehen davon war so mancher Plattenleger froh um jede solcher verlängerter Pinkel- oder Kontaktepflegepausen. Als eines der besten Anti-Beispiele dürfte seinerzeit das gemeinsame Vince Clarke/Eric Radcliffe/Feargal Sharkey-Projekt The Assembly zu erwähnen sein. 3:43 Never Never bedeuteten ganze sieben Sekunden bezahlte Mehrarbeit. Etwas mehr Enthusiasmus legte Clarke da schon mit Yazoo’s Don’t Go ins Vinyl. 8:26 herrliches Splatatter rund um die zunehmend ekstatische Frau Moyet! Nicht von schlechten Produzenten auch die 7:42 währende akustischer Fernbeziehung mit Alphaville in Sounds like a Melody, welches ohne zusätzlich aufgeschwemmtes Intro direkt zur Sache kommt und sich erst allmählich im grandiosen Mittelteil aufschwingt. Ganz ohne jede Frage aber gilt nur eine dieser Tanzflur-Bomben bis heute als auf ewig unerreicht: Frankie Goes To Hollywood lieferten mit Rage Hard im „Young Person’s Guide Into The 12 Inch Mix“ die erfolgreiche Bastelanleitung gleich mit: „Move with me inside the strange world into the 12“! Where nothing is as it seems. Where everything has it’s place and there’s a place for everything. And anything can happen!“. Wenn nach gefühlten zig Minuten Patchwork und einer Führung durch beinahe sämtliche Sounds („The godlike Bassguitar“, „The Anticlimax“) alles im eigentlichen orgiastischen Track kumuliert, ist alles, aber auch alles gesagt!

||||| Michael Kellenbenz |||||

So langsam geht wieder was im Deutschrap. Zwar spielt sich im Moment noch alles im Indiebereich ab, was einerseits vielleicht besser für den künstlerischen Output ist, andererseits natürlich aber auch größere Hörerscharen und somit auch die verdiente Knete für die Künstler verhindert, aber auf diversen Labels, wie Snuffpro, Spokenview, Entourage oder Wortsport steht die neue Garde bereit und rockt bereits alles in Grund und Boden. Egal ob Damion Davis, Huss und Hodn oder V.Raeter, die Namen sind schon bekannt und sorgen für Furore.

Die beiden Herren, die aber in letzter Zeit - ok, ist jetzt auch schon wieder ne Weile her - das wohl dickste Ding an den Start gebracht haben, sind V-Mann und Morlockk Dilemma. Hang zur Dramatik heißt das Album, dass Deutschrap aus dem Schlaf gebrüllt hat. Im Rap.de-Interview wurde Morlockk im Spaß gefragt, wer von den beiden denn wen gebitet hätte. Die Frage erscheint nicht unangebracht, denn um die beiden MCs auseinander zuhalten bedarf es schon einiges an Gehörtraining. Überhaupt ist der Stakkato-Rapstile der Beiden vielleicht anfangs ein wenig gewöhnungsbedürftig, denn hier scheint einer den anderen darin überbieten zu wollen noch mehr Silben in den Vers zu packen, was aber eigentlich nie nervig, sondern sehr frisch und so in Deutschland zuvor noch nie gehört rüberkommt.

Mit WK8/LSD setzen die beiden ihren jeweiligen Herkunftsorten ein Denkmal und beweisen eindrucksvoll, dass man nicht auf Pseudo-Ghetto machen muss, um von seiner tristen Kindheit zu erzählen. Der Beat hat dabei, wie fast ausnahmslos alle auf der Platte, absolutes Kopfnickerpotential und die Cuts kommen durchgehend perfekt zur Mukke. Wer dachte Sammy und Sido wären schlechter Einfluss für die Kinder wird hier eines besseren belehrt. Hier ein paar Zeilen aus Die Kids mit dem bereits genannten Damion Davis:

Du bist jung/Es gibt nichts was dich bremst auf deim Weg/ Lass dir keine Scheiße erzähln/ Wie viel’ Leute kennst du mit Aids.
oder
Bind dir den Arm ab/ drück es in deinen Adern/ sogar Sting hing an der Nadel.
oder
Gibt es Probleme, spült sie weg mit eim Martini/Denn für jedes kranke Kind gibt es ein Bettchen in der Klinik.

Die gesungene Hook von Damion relativiert das ganze dann zwar wieder ein bisschen, trotdem wird Sammy mit seinem Gras plötzlich ziemlich harmlos. Überhaupt ist die Grundstimmung auf dem Album ziemlich düster gehalten. Egal ob auf Macheten von Alkoholproblemen erzählt wird, oder auf Groupielove von stalkenden Fans, frag nicht nach Sonnenschein könnte fast die Devise lauten.

Mehr möchte ich dann auch gar nicht mehr über das Album erzählen, außer, dass auch die restlichen Tracks absolute Burner sind und sowohl Beats, als auch Raps auch ganzer Linie überzeugen. Bestes Rapalbum seit Jahren.

Mehr Infos gibt’s unter www.snuffpro.de, oder unter www.myspace.com/morlockkdilemma und www.myspace.com/vmannfunkviertel

Checkt auch das neue Morlockk Dilemma Solo-Album Omnipotenz in D-Moll!

||||| Thomas Mader |||||

Video zu “WK8/LSD”:

Das Schönste an Ruhm ist seine Übertragbarkeit. Man muss gar keinen langen Werdegang durchlaufen, um von ihm kosten zu können. Denn Ruhm pflanzt sich über Bekanntschaften fort. Es reicht schon vollkommen, jemanden zu kennen, der jemanden kennt, um sich selbst auch ein bisschen gekannt vorzukommen. Wenn ich jemanden kenne, der Weltrekorde schwimmt, dann fühle ich mich durch ihn ein bisschen berühmt und vielleicht auch ein bisschen athletisch.
Aber Bekanntschaften wollen gepflegt werden, um ihre Exklusivität zu sichern. Deswegen ist es auch gemein, die aufdringlichen Fans und Reporter, die sich jedem Star ans Bein heften, pauschal als Schmeißfliegen abzutun. Ihre Nähe zu den Celebrities haben sie sich hart erarbeitet. Der Wettbewerb unter Groupies ist groß, und diejenigen, die genügend Selbstaufgabe mitbringen, um sich zu ihrem Idol durchzuarbeiten, haben sich diese Nähe dann ja wohl auch verdient.
Ähnlich funktioniert Mundpropaganda, nur dass es hier nicht um direkte Bekanntschaften geht, sondern um das „Kennen“ als solches, zu dem sich auch das „Gehört-haben-von“ zählt, als auch das „Kennen-und-cool-finden-bevor-andere-es-kennen“ und das „Scheiße-finden-bevor-andere-es-cool-finden“. Dies sind Skills, in die man eine gehörige Portion Arbeit stecken muss, und wenn man dies auf so einer sophisticated Ebene perfektionieren will, wird man eben Journalist und bekommt Geld dafür.
Dieses gut geschmierte System, das die Öffentlichkeit beherrscht, sorgt dafür, dass diejenigen Aktivposten unter uns, die Berühmtheit aus erster Hand erfahren wollen, nur einen wesentlichen Kunstgriff brauchen, um ihr Ergebnis zu erzielen: Sie müssen den Stein ins Rollen bringen. Der Rest regelt sich von allein. Tatsächlich ist es ja so, dass sich Ruhm noch weiter vermehrt, wenn sich andere einen Teil davon abzwacken. Denn wann immer sich ein windiger Freelancer selbst emporhebt, weil er einen neuen Trend entdeckt hat, profitiert natürlich in erster Linie der Trend.

Das Zweitschönste an Ruhm ist seine Berechenbarkeit. Das bisschen, was die zahlreichen Casting-Shows im Fernsehen zur Kulturnation beitragen, ist doch die Botschaft, dass künstlerischer Erfolg nur eine Endvariable im Modell ist. Das Interessante an einer Sendung wie „Deutschland sucht den Superstar“ ist doch dessen Grundkonzeption, die besagt, dass es eben nicht darum geht, einen Star zu formen und dann mal zu schauen, wie viel Erfolg er hat, sondern darum, den glücklichen Gewinner auszuwählen, der dann den vorgebuchten Erfolg einheimsen kann. Das ist das moderne Gesicht des amerikanischen Traums, der in diesem Fall nur noch dadurch gestört wird, dass zwischen den Aspiranten und seinen Erfolg eine willkürliche Jury geschaltet ist.

Aber auch diese Barriere lässt sich beseitigen, wie die sich derzeit in die Nation hinein rappende Lady Bitch Ray zeigt. Wer bis jetzt davon ausgegangen ist, dass in unserer unübersichtlichen Postmoderne lang herbeigesehnter Erfolg reine Glückssache sei, der war einfach nicht aggressiv genug hinter ihm her. Kein Zufallselement ist in der Karriere von Lady Bitch Ray anzufinden; jedes Stück medialer Aufmerksamkeit ist nur eine Komponente des Windstoßes, den sie entfacht. Der Trick, mit dem sie sich an all den anderen Ruhmsuchenden vorbei manövriert hat, um unmittelbare Aufmerksamkeit zu bekommen, ist übrigens ein ganz einfacher – man kann ihn in die Formel übersetzen: Noch mehr Schimpfwörter pro Sekunde. Mensch, ihr Nachwuchsrapper, darauf hättet ihr schon kommen können! Diese Formel wird dann zugunsten von Authentizität mit einigen inhaltlichen Ornamenten bestückt, von denen das auffälligste ihre Doktorarbeit ist, an der sie bekanntermaßen gerade schreibt. Denn Doktorarbeiten-schreiben, das ist ja wie rappen, beteuert sie gerne, weil beides derbe Konzentration erfordert.

Außerdem setzt sie sich für die Rolle der türkischen Frau in der Gesellschaft ein.

Ich glaube ja fest daran, dass es nichts Hinterhältigeres und Gemeineres für einen Rapper gibt, als ihn einer möglichst angemessenen Abhandlung zu unterziehen, seine Qualitäten abzuwägen und schließlich zu einem negativen Urteil zu gelangen. Mich würde dies zumindest tierisch aufregen, weil ja dann die ganze Abhandlung für die Katz ist, wenn man im Endeffekt doch nur gedisst wird. Und da ich mir Ruhm erhoffe, indem ich Lady Ray disse, werde ich jetzt ganz mies Lady Ray dissen, indem ich zuerst erkläre, warum ich sie eigentlich doch ganz cool finde.

Cool an Lady Ray sind nämlich Lady Rays Lieder. Das sind Manifeste aus Fäkalbombast, der die deutsche Sprache nicht nur um einige Schimpfwörter bereichert, sondern den Hörer auch anreizt, ein ganz witziges Spiel mit seinem Hirn zu treiben. Bei mir ist es jedenfalls so, dass schon seltsame Sachen in mir vorgehen, wenn jede, aber wirklich jede Assoziation des Songtextes pornös ist. Man kann dies spielerisch konstruktiv angehen, indem man sich vorstellt, dass in den nächsten zwei Zeilen vielleicht mal nicht über Schwänze und Vaginas gerappt wird, sondern z.B. über Politik oder über nicht-sexuelle Gewalt wie z.B. Drive-By-Shootings. Das sind schöne Themen, die Hip Hop referieren kann, aber Lady Ray schränkt sich ausschließlich auf Fotzen, Nippel und Pimmel ein. (Und natürlich zähle ich diese superernsten Geschichtsepen, in denen sie über ihre harte Vergangenheit rappt, nicht dazu, weil diese ohnehin nur geschrieben werden, damit die Nonstrukturalisten ein bisschen was Biografisches haben.) Diese Beharrlichkeit jedenfalls, mit der sie ihrer Scham-Affinität freien Lauf lässt, ist konsequent albern, was mir dadurch noch sympathischer wird, dass sie Nase auf Nase reimt und Scheiße und Möse.

Außerdem soll sie privat eine ganz Nette sein.

Und natürlich ist es auch ganz richtig, sie als gesunden Gegenpol zu den männlichen Pornorappern zu installieren, die in Artikeln und Talkshows so aufwühlend diskutiert werden. Schlechter Konsum lässt sich nämlich mit Gegenkonsum bekämpfen, anstatt mit staatlichen Mitteln. Da ist eine Lady Bitch genau an der richtigen Stelle, wenn sie mal wieder mit ihrer Doktorarbeit angibt, was eigentlich gehörig auf den Zeiger geht, aber Menschen mit Namen wie King Orgasmus One ruhig mal entgegengehalten werden darf. Ansonsten bin ich natürlich vollkommen gegen vorschnelle Schlüsse von Doktorarbeiten auf den Intellekt ihrer Verfasser. Es gibt schließlich auch Professoren, die sich von Johannes B. Kerner einladen lassen.

Wie so viele Künstler spielt Lady Bitch Ray gerne mit dem Yin und Yang herum, mit Guter Künstler und Böser Künstler. So, wie es nicht nur Marshall Mathers, sondern auch Slim Shady gibt. Oder so, wie Sido entweder Maske oder Brille trägt. In diesem Fall ist die böse Bitch diejenige, die Dinge und Wörter in den Mund nimmt, von denen wir gar nicht zu sprechen wagen, während die liebe Bitch gebildet ist und Wörter wie „Semiotik“ sagt. Dazwischen liegen ihre Zehn Gebote des Vagina Styles, so etwas wie ein Emanzipationsprogramm für Fortgeschrittene, die sich den durchaus positiv konnotierten Titel „Bitch“ versprechen. Denn eine Bitch nimmt sich, was sie braucht. Wir Männer hatten unsere Aufklärung ja zuletzt im Film „Harte Jungs“, in dem ein Teenager mit seinem Penis spricht. Der Unterschied ist, dass bei Lady Ray das Geschlechtsteil noch öfter siegt.

Viel mehr als ein Doktortitel könnte ihr eine gewisse Coolness in ihrem Medienspiel gut tun. Die meisten von uns Erwachsenen sind froh, dass sie diese pubertären Schulhof-Wortspiele los sind, bei denen man sich auf dem Boden kringelt, weil jemand meinetwegen „Lippenstift“ gesagt hat, oder weil er irgendwohin gekommen ist. Wahnsinnig komisch. Jetzt dürfen wir uns das alles noch einmal von ihr oder Oliver Pocher anhören. Gerne schreit sie an vollkommen beliebigen Stellen „Hure!“ durch den Raum, so, wie andere Leute atmen. Vielleicht ein geeigneter Kompromissvorschlag meinerseits: „Hure“ ist ein Klassewort, aber bitte nur im Rapkontext, wenn es sich zum Beispiel auf Fuhre reimt, oder auf de jure.

Diese Spitzfindigkeiten sind natürlich vollkommen egal, wenn es um öffentliche Aufmerksamkeit geht. In Anbetracht all dessen glaubt natürlich kein Mensch den Beteuerungen der Bitch, dass es ihr zu null Prozent um Provokation und zu hundert Prozent um die aufklärerische Botschaft geht. In Interviews betont sie gerne, dass noch einiges getan werden muss in Deutschland. Und sie soll es angehen. Ja, das sind so die Stigmata, die auch an Superhelden haften: Nicht anders können. Menschheit retten müssen. Mit fiesen Rap-Attacken gegen die Unterwelt. Viele schauen zu und fühlen sich auf einmal ganz alt.

||||| Henning Baucke |||||

Lady Bitch Ray@MySpace

Na, hossa! Angestachelt von Radioheads Download-Album bringt Trent Reznor nun innerhalb kürzester Zeit ein zweites Album auf den Markt, natürlich wieder zum freien herunterladen. Getarnt hat er es als ein Dankeschön an seine Fans, die ihm mit dem digitalen Kauf von Ghosts I-IV einen Millionenschatz zuschusterten.

Das Album The Slip umfasst zehn Tracks und beinhaltet auch die Vorab-Single Discipline. Das Album kann auf der The Slip-Homepage heruntergeladen werden. Allzu große Erwartungen sollte man an die Songs allerdings nicht haben. Trent Reznor bietet einfach das, was er seit With Teeth eben macht: melodiös-kratzigen, leicht neben der Spur wandelnden Industrial-Alternative, von grundsolide bis sehr gut. Aber ein Nine Inch Nails-Album für umsonst ist ja immer etwas Feines.

||||| Kai Wehmeier |||||

Video zu “Discipline”